Le prochain stage (2010-2011)
Création chorégraphique et les arts de la scène

Le prochain stage de Danse traditionnelle Québec (en collaboration avec le Conseil québécois du patrimoine vivant) portera sur la Création chorégraphique et les arts de la scène. Il s'agit de deux stages d'une durée de 2 jours chacun. Le premier aura lieu à Montréal les 13 et 14 novembre 2010, et le second se tiendra à Québec les 12 et 13 février 2011.

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Intervenants et programme : Cette année, nous aurons les intervenants et cours suivants :

Sarah Bild : Avec ses grandes affinités pour la composition et sa profonde connaissance du corps dansant en improvisation, Sarah est particulièrement dédiée à l’idée de faire découvrir l'«Action Theater» aux interprètes en danse pour les guider vers une présence artistique pleinement expressive et créatrice à chaque instant de présence sur scène.
Composition chorégraphique : outils pour travailler l'espace, le vocabulaire gestuel et les aspects liés au mouvement: par des exercices exploratoires en improvisation, Sarah Bild vous invite à découvrir vos propres approches et préférences spatiales et kinétiques. En travaillant avec vos propositions chorégraphiques, elle vous proposera des outils pour éveiller un regard particulier sur le travail de composition et pour mieux discerner vos tendances et les nouvelles approches possibles.

Marie-Soleil Pilette : Chorégraphe, gigueuse, danseuse, et «calleuse», Marie-Soleil est diplômée du bac en danse contemporaine de l’UQAM. Fondatrice de la Cie Sans Temps danse, elle a créé des œuvres originales métissant danse percussive, gigue québécoise et danse contemporaine. Elle a interprété pour le Collectif Zogma et le groupe de percussions afro-brésiliennes Zuruba, et danse maintenant avec le groupe Rapetipetam.
Musique, rythme et percussions en mouvement : dans ce cours, les participants travailleront à comprendre et analyser la structure rythmique d’une pièce musicale, et à la transposer en rythmes frappés. Ils exploreront aussi différentes façons de travailler avec le rythme et la musique dans une chorégraphie.

Aline Carrier : Diplômée du Conservatoire d’art dramatique de Québec en 1983 et bachelière en Études théâtrales de l’Université Laval en 2005, Aline Carrier a mis en scène une soixantaine de pièces de théâtre avec des clientèles de tous âges. De plus, elle a écrit et réalisé la mise en scène d’une vingtaine de productions pour Les Danseurs de Sainte-Marie et l’Ensemble Folklorique Manigance.
Notions de jeu théâtral intégrées à la danse. Les bases du jeu théâtral mises au service de la danse. Ces bases étant définies comme suit : croire en ce que nous jouons, réagir à ce que l’autre met en action, être dans l’ici et maintenant avec tout ce que cela comporte de concentration et de disponibilité à l’autre, et comment l’exploitation de l’espace scénique peut influencer notre façon de bouger. Les participants seront appelés à vivre un atelier où théorie et pratique se côtoieront.

Monik Vincent : A une expérience de plus de trente ans comme danseuse, professeur, chorégraphe et metteur en scène, entre autres, au sein de L’Ensemble national de folklore Les Sortilèges où elle a été danseuse, répétitrice et adjointe artistique pendant douze ans et Mackinaw, groupe hôte du Mondial des cultures de Drummondville où elle a été directrice artistique.
Direction artistique : cet atelier englobera tous les aspects de la direction artistique de la production d’un spectacle sur scène à partir de la phase de conception (idée maîtresse de l’œuvre, sa mise en application, la relation avec les artistes impliqués, l’expertise, etc.) jusqu’à celle de la mise en œuvre (production, suivi technique et logistique) du projet culturel concerné.
Composition chorégraphique : outils pour travailler les thématiques, la mise en scène et les aspects théatraux Cet atelier traitera spécifiquement de la mise en scène d’un spectacle à caractère folklorique. Comment peut-on présenter sur scène le répertoire propre à chaque culture par le biais de mouvements chorégraphiés à la fois créatifs, innovateurs sans toutefois dénaturer les fondements et éléments traditionnels. Quelles sont les limites associées à l’évolution d’un produit culturel dans le contexte d’une expansion constante et d’une créativité presque sans limite des arts de la scène.

Gina Cloutier : Propriétaire de sa propre agence de communication depuis plus de vingt ans, Gina a exploré tous les domaines de la communication et du marketing. Parallèlement à sa carrière, elle met son expérience au profit d’organisations culturelles de la région, tels l’Ensemble folklorique Manigance et le Festival Couleurs du monde, dont elle assure la direction des communications depuis quelques années déjà.
Mise en marché : Comment faire une promotion efficace d’un événement ou d’une production culturelle? Quels sont les outils de communication d’une bonne campagne de mise en marché? Les relations publiques ou comment entretenir de bonnes relations avec les médias?.

Objectifs du stage :

• Les inscrits développeront et approfondiront les aptitudes des acteurs professionnels de la danse traditionnelle dans les champs de compétence suivants : composition chorégraphique, direction artistique, direction des répétitions, interprétation rythmique et théâtrale et conception d’outils de promotion et de communication pour la mise en marché.

• Par le biais d’exposés et d’ateliers pratiques dirigés par des professionnels chevronnés, ils se frotteront aux façons d’élaborer un concept de spectacle cohérent (théâtralisé ou non) et à une variété de modes de composition chorégraphique. Ils développeront des outils pour mieux diriger des collaborateurs artistiques (concepteur musical, éclairagiste, etc.) et des danseurs, tant sur les plans de l’interprétation rythmique ou théâtrale que sur la tenue d’une audition, le choix des danseurs et la direction des répétitions.

• Enfin, ils réfléchiront sur les façons de mettre en marché leur spectacle, pour que leurs outils de promotion et de communication reflètent bien l’esprit de leur spectacle tout en étant efficaces sur le plan du marketing. L’ensemble de ces compétences leur seront précieuses pour diriger un groupe d’artistes et une production de spectacle de qualité professionnelle, tant sur le plan artistique que sur celui de la gestion.

Coût : 140$ pour les deux fins de semaine (28 heures réparties en deux stages), frais de déplacement et de séjour inclus (selon les conditions offertes par Emploi-Québec).

Clientèle : Ce stage s’adresse aux professionnels de la danse traditionnelle qui ont acquis au moins deux ans d’expérience rémunérée (à temps plein ou partiel) dans le cadre de leur pratique et qui oeuvrent en tant qu’enseignants, danseurs, chorégraphes, directeurs artistique, etc. La participation aux deux modules est obligatoire pour l'obtention de l’attestation de formation.

Date limite d'inscription : le 15 octobre 2010

Ces stages sont réalisés grâce à un partenariat avec Emploi Québec, dans le cadre du programme multirégional de formation professionnelle du CQRHC.

Le dernier stage (2009-2010)

Danse traditionnelle Québec et le Conseil québécois du patrimoine vivant ont produit leur quatrième stage de perfectionnement. Ces deux fins de semaine de formation eurent comme thème : Les répertoires de la danse traditionnelle au Québec : Transversalité et universalité des structures et des formes. Ils eurent lieu les 5-6 décembre 2009 (à Montréal) et les 20-21 février 2010 (à Québec). Le tout s'est encore fait en partenariat avec Emploi Québec dans le cadre du programme multirégional de formation professionnelle.

Programme :

Chaque intervenant a traité des formes de danse de sa région ou pays (pas, structures, formes musicales, répartition régionale, etc... :